Shelley’s Art Musing – Pleins Feux sur Anselm Kiefer

Il y a des gens qui pensent que l’art a une qualité de guérison, que ce soit pour l’artiste ou le public, cela peut se faire à travers une série de techniques allant de l’art thérapie à l’exploration de sujets tabous. Anselm Kiefer travaille définitivement pour ce dernier. Son art utilise une série de thèmes et d’images combinés qui explorent des événements historiques très tragiques.

Né en 1945, Kiefer a grandi dans la ville dévastatée de Donaueschingen, sa ville natale, à la fin de la Seconde Guerre mondiale. La ville avait été lourdement bombardée, ce qui a eu un impact sur ses premières années de formation ainsi que sur la façon dont son entourage avait réagi à cette fin de guerre et à ses efforts de reconstruction. En 1951, la famille s’installe à Ottersdorf où Kiefer fréquente une école publique.

En 1965, il a commencé des études de préparatoire de droit, mais s’est ensuite tourné vers l’art sous la direction de Peter Dreher. Kiefer a obtenu un diplôme en beaux-arts en 1969.

Le style de Kiefer relève du néo-expressionnisme. C’est une réaction directe au mouvement minimaliste et aux œuvres d’art conceptuel des années 1970. Ce mouvement montre des objets reconnaissables, comme le corps humain, mais de manière violente et émotionnelle. Elle peut souvent être abstraite et utiliser des couleurs vives ou contradictoires, ce qui permet d’exprimer les émotions ressenties par l’artiste.

L’œuvre de Kiefer explore l’histoire et la culpabilité des Allemands. Il est bien connu pour être lourd de sujet et créé sur de grandes toiles ou des espaces imposants qui donnent l’impression qu’elles sont l’éléphant dans la pièce. Il est difficile d’expliquer l’œuvre de Kiefer en quelques mots, car elle s’appuie sur des influences spirituelles issues de la mythologie et de la théologie, mais aussi sur l’exploration du sombre passé d’une culture et l’intégration de noms de personnages ou de lieux historiques influents dans son œuvre comme un sceau. C’est dans cette optique que je vais vous proposer une visite guidée de quelques pièces pour que vous puissiez vous faire une idée de son travail, car c’est tout simplement la meilleure façon de comprendre cet artiste profondément complexe.

C’est une pièce qui conduit facilement le public dans un voyage spirituel. La toile de cette pièce mesure près de 3 mètres de haut, mais environ 1,5 mètre de large, ce qui rend le voyage bouleversant et presque conflictuel. Les matériaux utilisés sont l’argile, la cendre, la craie, le fer, le coton et le lin. Il est à noter qu’une grande partie de l’œuvre de Kiefer utilise le multimédia pour créer un aspect sculpté, souvent à l’aide de fer, ce qui nécessite un renforcement des murs pour que son œuvre puisse être exposée.

Ce que le public voit ici, ce sont 9 robes en mouvement cyclique, représentant les 9 ordres d’anges, auxquels se réfèrent les écrits du Pseudo-Denys l’Aréopagite qui datent de 650 à 725 environ. Les textes se réfèrent à une “hiérarchie céleste” et décrivent les ordres, chaque couche étant une barrière protectrice entre la Terre et le Ciel. Le texte se trouve à la fois dans les premières traditions juives et chrétiennes.

Au début, on dirait que les anges à l’intérieur de la pièce s’enfuient de la Terre, et quelque chose en dessous d’eux semble presque volcanique, rendant la terre brûlée et aride, comme si une grande catastrophe s’était produite.  Regardez de plus près et vous remarquerez que deux des anges semblent redescendre vers le bas, bien qu’il ne soit pas clair s’il s’agit d’une action délibérée ou quelque chose qu’on leur a demandé de faire. Il n’est pas clair non plus quel aurait pu être l’événement dévastateur, mais cela pourrait potentiellement être le chassé du jardin d’Éden vers les terres stériles après le péché originel de l’homme, ou un champ de bataille, ou peut-être les terres ravagées par le feu de l’Allemagne comme ils ont brûlé les terres vers la fin de la Deuxième Guerre mondiale.

La toile est désolante et sinistre, mais il y a une beauté indéniable dans la vue brûlée et cendrée. Les spectateurs peuvent voir une libération alors que les anges voyagent dans le paysage de l’œuvre d’art, donnant un sentiment d’espoir et que le renouveau est possible après la tragédie. Kiefer entremêle le sens de l’espace et du temps dans l’œuvre, avec ce que l’on peut considérer comme le passé, le présent et l’avenir qui se déplacent simultanément à travers les anges. Ils se déplacent dans une seule direction et dans différentes directions à la fois, l’accumulation des différents matériaux représentant des histoires multiples étant créée en même temps, une idée qui est pertinente dans la destruction qui a été vue à travers l’Europe pendant la Seconde Guerre mondiale. Le sentiment que les lieux et les bâtiments peuvent contenir de multiples événements pendant la guerre, chacun menant différentes parties à ses propres conclusions sur les histoires écrites, les couches de médiums représentant les actions simultanées qui se produisent en même temps, et les ruptures dans le médium montrant le passage du temps et les traces des événements.

Cette œuvre présente une pièce éthérée et spirituelle, posée sur un passé tragique, qui suscite des émotions de joie parce qu’il y a une chance de renaissance, mais aussi de tristesse et de peur de ce qui s’est passé.

Pour Kiefer, l’art devrait être difficile à digérer, car il est difficile de le déchiffrer, parce que le questionnement de l’art permet de guérir et de trouver ses propres réponses à l’horreur qui a été la sienne auparavant.

L’Ordre de la Nuit ne fait pas exception, créé à partir d’émulsion, de gomme, laque et d’acrylique sur toile, cette pièce mesure plus de 3,5 mètres de haut et 4,5 mètres de large. Tout en rendant hommage aux tournesols de Van Gogh, ceux-ci sont beaucoup moins invitants et colorés, car ils se dressent au-dessus d’un corps étendu sur le sol. Les têtes des fleurs sont intimidantes dans leurs dimensions massives, et les plantes ont l’air flétries et carbonisées, venant d’un sol sec et craquelé. Il n’est pas clair si l’homme est mort ou simplement allongé sur le sol dans cette image, mais pour moi je suis plus enclin à sentir que l’homme est mort, ce qui reflète la terre sèche et fissurée. Kiefer joue avec une mythologie de la création qui se passe dans la souffrance (Aphrodite a été créée à partir de la mutilation d’Uranus), le corps de l’homme va nourrir la terre pour créer des champs de fleurs pour l’avenir. Cette pensée fait écho aux hommes tombés au champ d’honneur pendant la guerre et à la façon dont le champ s’est rétabli, mais les souvenirs demeurent.

L’œuvre d’art elle-même a de nouveau été recouverte d’une épaisse couche de peinture, qui s’est craquelée et écaillée, ajoutant à l’atmosphère du tableau et poursuivant le thème des couches de matériaux qui créent un passage du temps dans l’histoire des tableaux.

Il y a une abondance d’œuvres de Kiefer sur lesquelles je pourrais écrire, toutes avec des significations profondes et puissantes, car il travaille dans les domaines de la peinture, de la photographie et de la sculpture, mais ce qui ne peut être ignoré c’est son travail sur le plomb. Kiefer se considère comme un alchimiste, et le plomb est l’un des éléments que les alchimistes utilisent pour agir comme le métal de base qui permet d’atteindre un état supérieur en ajoutant une profondeur de flux à son travail.

Le langage des oiseaux est une pièce exceptionnellement symbolique et hypnotisante. Il s’agit d’une pile de livres en plomb, incrustée d’autres métaux, et d’ailes qui se déploient derrière eux. Cette sculpture pourrait représenter tellement de choses pour le spectateur. Ma première réaction a été de penser aux autodafés de livres qui ont eu lieu pendant la Seconde Guerre mondiale, des milliers de livres ont été brûlés pour que leurs informations ne soient jamais vues, tout comme ces livres de plomb qui ne peuvent jamais être ouverts, les ailes pourraient symboliser l’aigle du troisième Reich qui apparaît sur un savoir qui ne doit jamais être connu.

En y repensant, j’ai senti que c’était peut-être plus comme un phénix surgissant de l’histoire tragique, mais qui n’avait un sens dans l’histoire que si elle était écrite par les vainqueurs, donc ces livres étaient ceux enregistrés par les perdants, mis de côté, mettant de côté leurs mauvaises actions, mais ne devant jamais être fouillés par peur d’ouvrir de vieilles plaies. Pour moi, cette sculpture est si lourde de sens qu’il faudrait que j’écrive un livre pour l’étudier et l’apprécier pleinement, ce qui est exactement l’intention de Kiefer, car il veut que son public trouve quelque chose de nouveau et de stimulant dans son travail à chaque exposition.

Kiefer est considéré comme l’un des artistes les plus inventifs, les plus sérieux et les plus réfléchis qui soient, et il n’est pas difficile de comprendre pourquoi. Son œuvre s’étend sur plusieurs époques, tout en conservant un thème de ses propres racines dans les cendres de la Seconde Guerre mondiale. Il a une approche presque enfantine de son travail, en versant, brûlant et frappant ses toiles, sans vraiment savoir exactement à quoi ressemblera le résultat final, mais comme l’alchimiste qu’il prétend être des expériences pour présenter quelque chose qui combine de nombreux éléments pour présenter une image qui est éthérée sur un plan scientifique.