Sibi jataka, première moitié du VIIe siècle après J.-C.
Art,  Français

L’unité dans la diversité rend la culture indiennes unique

Le texte ci-dessous est l’extrait du livre L’Art de l’Inde (ISBN: 9781781602997) écrit par Vincent Arthur Smith, publié par Parkstone International.

L’exposition de Delhi de 1902-1903 montra beaucoup d’exemples de peintures à huile et d’aquarelles qui furent produites dans des quantités considérables par des étudiants formés d’après les méthodes européennes, principalement aux Écoles d’art du gouvernement de Calcutta, Bombay, Madras et Lahore. Dans le livre de Sir Watt George, Percy Directeur Brun, ancien directeur de l’École d’art de Calcutta, critiqua les objets exposés à Delhi comme suit :

« Jusqu’à son introduction par l’Europe, aucune peinture à l’huile d’aucun genre ne fut pratiquée dans le pays, mais le nombre de travaux exécutés dans ce médium montré dans l’exposition révèle que la peinture à l’huile en tant que branche d’étude aussi bien qu’en tant que moyen d’expression, est prise au sérieux par un public rapidement croissant. Quelques-uns des travaux exposés dans la salle de l’est de l’éxposition étaient remarquablement bons ; dans les peintures de genre, la création et la sensibilité de la chair vivante sont très bien reproduites, et un ou deux paysages montrèrent une atmosphère et un sens de la composition dignes d’intérêt. Cependant, beaucoup des travaux montrés étaient de facture très ordinaire, le dessin étant résolument insuffisant, et la technique et les couleurs, dans la plupart des cas, restaient grossières. »

Grand Stupa de Sanchi, Peintures indiennes
Grand Stupa de Sanchi, entrée ouest (torana). Les principaux piliers représentent quatre personnages yakshas se tenant debout dos à dos, les bras levés supportant les architraves, 70 avant J.-C., dynastie des Satavahana. Grès, hauteur de l’entrée : 10,36 m, hauteur du pilier : 4,27 m. Sanchi, Madhya Pradesh.

Le représentant le plus important de l’école européanisée d’artistes indiens était le regretté Raja Ravi Varma de Travancore, une relation du Maharaja de cet État. Ses travaux, extrêmement nombreux, obtinrent une large popularité et furent librement vulgarisés par l’oléographie et d’autres modes de reproduction bon marché. Le Raja pratiqua aussi bien le portrait que la peinture de paysages ; quatre des portraits dans la salle de banquets à Madras sont de lui. Il fut assisté par son parent, Raja Raja Varma et d’autres membres de sa famille.

Il reçut l’instruction de Théodore Jensen et d’autres artistes européens qui visitèrent l’Inde du Sud, aussi bien que d’Alagri Naidu, un natif de Madurai qui fut soutenu par Swati Tirumal, Maharaja de Travancore de 1829 à 1847. À son époque, il fut considéré comme le meilleur peintre en Inde à la mode européenne. Ravi Varma trouva un rival redoutable en Ramaswamy Naidu, un membre du clan de Nayaks à Madurai qui fut apprécié comme étant un excellent peintre de portrait.

Stimulé par les encouragements actifs de la famille royale de Travancore, le Gaekwad de Baroda, et d’autres riches protecteurs, Ravi Varma tourna son attention sur l’illustration de légendes et d’épopées hindoues.

Une scène bacchanale représentant des étrangers du nord-ouest de l’Inde, environ 600 après J.-C. Peintures indiennes
Une scène bacchanale représentant des étrangers du nord-ouest de l’Inde, environ 600 après J.-C. Fresque peinte au plafond. Grottes d’Ajanta (grotte no I), près d’Aurangabad, Maharashtra.

Dans son propre pays, ses travaux de ce genre sont considérés comme des chefs-d’oeuvre et comme étant l’expression adéquate de la sensibilité indienne. Cependant, auprès des critiques en Europe, ils rencontrèrent une réception différente.

« L’art, écrit Havell, qui reflète vraiment la culture fictive des universités indiennes et l’enseignement des écoles d’art anglo-indiennes, est représenté par les tableaux de Ravi Varma, le peintre à la mode en Inde pour les Indiens qui n’ignorent pas complètement l’art indien. Il est certain que ses oeuvres manifestent invariablement un douloureux manque de faculté poétique dans l’illustration de la poésie et des allégories indiennes si imaginatives ; et ce péché capital ne sera pas racheté par une quelconque compétence technique dans l’exécution. »

Scène de combat entre un soldat sur un éléphant chargeant et un autre sur un cheval s’élevant, 1750-1760, Peintures indiennes
Scène de combat entre un soldat sur un éléphant chargeant et un autre sur un cheval s’élevant, 1750-1760, dynastie des Asaf Jah (Nizam), État d’Hyderabad (à présent une partie de Gujarat). Aquarelle opaque sur papier, 32,1 x 24,4 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Virginie.

Coomaraswamy, un autre mystique, est encore plus sévère et déclare que « les conceptions théâtrales, un manque d’imagination, et une carence de sensibilité indienne dans le traitement de sujets sacrés et épiques indiens sont les fautes fatales de Ravi Varma […]. Ses représentations sont d’un niveau tel que tout étudiant européen pourrait les peindre, après lecture de la littérature nécessaire et une étude superficielle de vie indienne ».

Dans une publication plus tardive, le même auteur donne son opinion avec la plus grande brièveté et quelque peu moins de sévérité, jugeant que « le Raja Ravi-Varma tardif fut le plus connu de ces peintres s’exprimant dans un style purement européen, mais ni lui ni tous les autres peintres de la « pseudo » école européenne atteignirent l’excellence. Son travail accéda, au mieux, à un niveau médiocre ».

Le jugement cité n’est probablement pas loin de la vérité.

« Le travail de l’école moderne des peintres indiens à Calcutta, » écrit Coomaraswamy, « constitue une phase du réveil national. Alors que l’ambition des réformateurs du XIXe siècle fut de faire l’Inde comme l’Angleterre, celle des générations postérieures fut de ramener ou créer une société dans laquelle les idéaux inhérents à la culture indienne furent davantage exprimés. »

Raja Ravi Varma, Dame Nayar allongée, 1902, Peintures indiennes
Raja Ravi Varma, Dame Nayar allongée, 1902, période moderne. Peinture à l’huile sur toile, 73,66 x 104,14 cm. Collection privée.

Ce nouveau mouvement d’art fut supporté avec enthousiasme par E. B. Havell qui sentit profondément la futilité de former des étudiants bengalis sur des méthodes purement étrangères, étrangers à leur nature, et il chercha à attirer leur attention sur les productions indopersanes et les écoles hindoues du XVIIIe siècle comme étant plus significatives pour les idéaux indiens. Avec quelques difficultés, Havell persuada les autorités de le laisser suivre son chemin et de remplacer une médiocre collection de travaux européens par une sélection de choix de tableaux indiens.

Il trouva en Abanindro Nath Tagore (qui devint plus tard le vice-directeur de l’École de l’art) un coadjuteur bienveillant, et un peintre d’une force considérable. Havell reconnut dans son collègue un vrai artiste « qui vint ramasser les fils cassés de la tradition illustrée indienne », et porta à son crédit de « nous donner une interprétation vraie de la spiritualité indienne, et un aperçu de ce monde plus haut, le monde féerique de la poésie et le charme oriental tel que la pensée orientale l’a suggéré ».

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