Das seltsame und surreale Universum von James Ensor

Der untenstehende Text ist ein Auszug aus dem James Ensor (ISBN: 9798894058931) von Émile Verhaeren und James Ensor, herausgegeben von Parkstone International.

In den Jahren 1880 bis 1885 schuf James Ensor seine schönsten Gemälde. Sein Werk ist weder eine Sommerernte noch eine Weinlese im Herbst, sondern vor allem eine Frühlingskeimung. Seine Kraft, frei bis zum Exzess, seine Persönlichkeit war gewalttätig bis zur Verzweiflung, und seine großartige, unerhörte Unabhängigkeit machte ihn zu einem bewundernswerten Jugendlichen. Er schuf reichlich, überreichlich sogar, mit Scharfsinn. Bevor die vielen Kritiker ihn ins Visier genommen hatten, hatte er bereits alles geschaffen, was später Gunst oder Hass erregen sollte. Er konnte daher weder Lob noch Tadel Zeit geben, sich zu etablieren oder sein Werk in irgendeiner Weise zu verändern. Die Entfaltung seines Talents war wie eine Explosion. Plötzlich erschien er fast in seiner vollen Größe.

Er begann 1879 mit seinem eigenen Porträt, dem er zwei Kompositionen hinzufügte: Judas wirft Geld in den Tempel und Orest wird von den Furien gequält: Judas, der Geld in den Tempel wirft, und Orest, der von den Furien gequält wird. 1880 folgten Le Lampiste (1883 in Y Essor und 1884 in Les XX ausgestellt) und La Coloriste, zwei Gemälde, in denen seine ganze Kunst zum Ausdruck kommt, und dieses wunderbare Flacon bleu, das vielleicht das erstaunlichste Stillleben bleibt, das er je gemalt hat. Was für ein großartiges Werk! Ein roher Tisch trägt ein gerupftes Huhn, schäbig und schmerzhaft, dessen Hals in der Luft hängt und dessen Fleisch in grünlichen Tönen besorgt. Hier und da wird die Farbe mit einem Messerstrich ausgebreitet. Die Hand, die mit solcher Festigkeit und Gelassenheit konstruiert und malt, scheint bereits die eines Meisters zu sein. Und das Auge, das den herrlichen, gewählten Ton der Flasche sieht, kennt bereits die ganze Kraft und Seltenheit eines Tons. Freilich, die Komposition fehlt: es ist nur ein liebevoll bearbeitetes Stück, es ist nur eine Ecke der Küche, die ins rechte Licht gerückt wird, aber welch leuchtendes Leben, welch Glanz, welch Brillanz! Kein berühmtes Stillleben steht zwischen dem Werk und der Bewunderung des Passanten. Alles ist neu, spontan, offensichtlich, endgültig. Wo ist denn das Auge geschult worden, um diese armen, alltäglichen Gegenstände so zu sehen, wie sie noch nie jemand gesehen hat? Enthält es in sich eine unbekannte Subtilität, eine unbekannte Zartheit, oder hat das Schauspiel des Meeres, das der Maler ständig vor Augen hat und das sich ihm zu jeder Stunde des Tages – Morgengrauen, Mittag und Abend – mit seinen unendlichen Farbnuancen bietet, den Künstler mit einem außergewöhnlichen Sinn ausgestattet?

Der Lampist, der derzeit das Musee Moderne in Brüssel schmückt, ist ein sehr einfaches Arrangement. Vor einem grauen Hintergrund hält ein ganz in Schwarz gekleideter Junge eine Kupferlaterne in der Hand. Er schaut sie an, und das Glas und das Metall glänzen. Man könnte sagen, dass das Thema des Gemäldes in der Farbe selbst besteht. Diese breiten grauen und schwarzen Massen, die durch die wenigen gelben Details der Laterne belebt werden, schaffen eine Art ruhigen Konflikt. Ist denn nicht jedes Gemälde eine Art Kampf? Die Röhren mit ihrer Gewalt und Farbvielfalt scheinen mit gefährlichen Stoffen beladen zu sein.

Maschinengewehrfeuer. Wenn der Maler ihre Kraft nicht kalkuliert, wenn er sie detonieren lässt, ohne ihr Getöse zu disziplinieren, wenn er sie nicht auf der einen Seite eindämmt, um ihnen auf der anderen Seite eine bessere Karriere zu ermöglichen, wird die Schlacht, die er führt, unwiederbringlich verloren sein. Er muss den Glanz von Orangen neben Blau, von Grün neben Rot, von Gelb neben Violett erahnen. Er muss einschätzen können, wie die Übergangstöne die Wirkung von zu kräftigen Farben abmildern. Er muss wissen, ob ein kräftiger Ton an einer Stelle Unordnung oder Leben in das Ganze bringt. Es gibt eine feige Art zu malen, die die Schwierigkeiten ausblendet und die Kunst abstumpft, dank der Schikanen. James Ensor würde diesen feigen und fatalen Prozess nie kennen.

Die Schwärze, gegen die sich das leuchtende Objekt abhebt, unterstützt es mit ihrer düsteren Kraft; es gibt keinen Zusammenstoß, nur glückliche Kühnheit.

In La Coloriste wird mehr Farbe verwendet als in Le Lampiste. Eine Frau in Weiß sitzt in einem Atelier, das durch ein Fenster beleuchtet wird. Sie ist von Stoffen, Vasen und Paravents umgeben. Dieses Gemälde wurde 1881 in La Chrysalide ausgestellt. Dieser alteingesessene Kreis, dessen Ausstellungsraum sich im Salle Janssens (rue du Gentilhomme, dann rue du Petit Écuyer) befand, wurde von Meistern wie Louis Dubois, Artan, Vogels, Rops, Pantazis und anderen angeführt. Sie kultivierten eine solide, mit dem Messer ausgeführte Malerei, von der sie behaupteten, sie sei aus der kraftvollen und strahlenden Ästhetik ihrer Vorfahren hervorgegangen oder vielmehr von ihr abgeleitet. Diese Meinung ist sicher nicht falsch, auch wenn man zugeben muss, dass diese kraftvollen Maler, die sich zu Recht auf ihre eigene Herkunft berufen, alle zu eindringlich auf die Leinwände von Courbet aus der Franche-Comte geschaut haben. Es stimmt, dass Courbet sich gerne und ausführlich mit den Gemälden von Rubens, Snyders und Jordaens beschäftigte, und dass die kraftvolle, erdige, feste und köstliche Malerei, für die er eintrat, nichts anderes war als die flämische Malerei selbst.

In La Coloriste wird die Farbe nicht mehr in weiten Einstellungen verteilt, wie es in Le Lampiste der Fall war. Im Gegenteil. Sie ist geteilt, verteilt und verstreut. Ohne Ensors Fingerspitzengefühl würde die Vielzahl der Grün-, Rot-, Blau- und Gelbtöne nur ein Flimmern ergeben. Die gemalten Leinwände wären nicht mehr als eine Ansammlung von Raketen, und das Bild würde seinem Titel nicht gerecht werden. Aber der Maler wollte uns mit La Coloriste zeigen, was eine gute Leinwand sein sollte. Vor einem Hintergrund, in dem die Rot- und Grautöne ihre tiefen, soliden Akkorde bilden, singen die hellen, vielfarbigen Töne ihre hohen, lebhaften Töne mit Präzision und Vielfalt, jeder von ihnen ruht auf dem Sprungbrett der kräftigen Grundtöne, bevor er sich in die Freude stürzt. Von einem Ende der Leinwand zum anderen sind die subtilen Verbindungen, die die Farben Zusammenhalten, so eng und verknotet wie die Noten auf einer glücklich geschriebenen Musikseite.

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