Wo Farbe atmet, die Magie von Henri Matisse

Der untenstehende Text ist ein Auszug aus dem Henri Matisse (ISBN: 9798894055817) von Victoria Charles, herausgegeben von Parkstone International.

Henri Émile Benoît Matisse wurde am 31. Dezember 1869 in Le Cateau- Cambrésis in Nordfrankreich in eine bürgerliche Industriellenfamilie hineingeboren. Sein Vater, Émile Matisse, ein erfolgreicher Getreidehändler, engagierte sich ebenfalls im örtlichen Leben und übte verschiedene Gemeindeämter aus. Henri verbachte seine Kindheit in Bohain-en-Vermandois, einer kleinen Textilstadt, in der die Üppigkeit der Motive und der Farbenreichtum der Stoffe den Alltag prägten – alles visuelle Eindrücke, die, ohne es zu wissen, seine spätere Sensibilität prägen sollten.

Matisse, ein ernsthafter Schüler, der eher fleißig als leidenschaftlich war, besuchte das Gymnasium in Saint-Quentin und studierte anschließend Jura in Paris. Nach seiner Rückkehr in seine Heimatregion arbeitete er als Angestellter in einem Notariat. Nichts prädestiniert ihn zu diesem Zeitpunkt für die Malerei. Erst ein Blinddarmdurchbruch, gefolgt von einer langen Rekonvaleszenz, brachte den Lauf der Dinge durcheinander. Seine Mutter schenkte ihm Pinsel und Farben, um ihn während seiner Bewegungslosigkeit zu beschäftigen. Er malte sein erstes Bild. Sehr schnell wird dieses Hobby zu einer Offenbarung: „Von diesem Moment an“, so sagte er später, „wußte ich, daß die Malerei der Lebensinhalt meines Lebens sein würde.” Eine blitzartige, unwiderrufliche Gewißheit: Die Kunst würde keine Ablenkung sein, sondern ein totales Engagement.

1891 zog Matisse entschlossen, diesem neuen Ruf zu folgen, nach Paris und trat in die Académie Julian ein, wo er von Adolphe-William Bouguereau und Gabriel Ferrier, der damals sowohl in Frankreich als auch in den Vereinigten Staaten gefeiert wurde, eine strenge akademische Ausbildung erhielt.

Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, arbeitete er noch einige Zeit als Sekretär, doch sein Geist war ganz auf die Kunst ausgerichtet. Nach und nach, unzufrieden mit dem starren Akademismus seiner frühen Meister, machte er sich auf die Suche nach einer lebendigeren, tieferen Inspiration.

Seine eigentliche Metamorphose begann, als er an der ‚École des Beaux-Arts‘ in das Atelier von Gustave Moreau aufgenommen wurde. Es besteht kein Zweifel daran, daß Moreaus skrupulöse Aufmerksamkeit für die Persönlichkeit seiner Schüler und seine Betonung der Verankerung wesentliche Elemente sind, die ihn zu einem herausragenden Pädagogen machen. Zusammenfassend läßt sich sagen, daß sein pädagogischer Ansatz auf zwei grundlegenden Säulen beruht: der Persönlichkeit seiner Schüler und seinem Beharren darauf, sie in den Traditionen zu verwurzeln. Matisse machte das Beste aus der Situation und stärkte auf diese Weise sein Selbstbewußtsein. Moreau war weit davon entfernt, einen Stil vorzuschreiben, sondern lehrte vor allem die Freiheit des Blicks und die innere Erforschung. Matisse nahm keine Methode mit, sondern eine entscheidende Lektion: an die Einzigartigkeit seines eigenen Weges zu glauben.

Während dieser Zeit, fast ein Jahr lang, versuchte er, seinen Lebensunterhalt durch den Verkauf von Reproduktionen von Kunstwerken aus dem Louvre zu bestreiten. Es ist wichtig zu verstehen, daß das Kopieren nicht nur ein finanzieller Aspekt ist, sondern ihm auch eine zusätzliche Dimension verschafft: eine Tradition und ein Talent im Umgang mit dem Pinsel, die von unschätzbarem Wert sind, als er für sich selbst arbeiten mußte.

1896 stellte Henri Matisse vier Bilder im Salon der ‚Société Nationale des Beaux-Arts’ aus und hatte damit einen bemerkenswerten Erfolg. Sein Talent wurde schnell erkannt und sein Werk La Femme lisant (1894, auch La Liseuse genannt) wurde von der Regierung erworben. Dieses faszinierende Gemälde zeigt eine Frau, die in ihre Lektüre vertieft ist, von hinten, was eine intime und geheimnisvolle Atmosphäre schafft. Die Szene spielt in einem Innenraum, in dem die Frau in ihr Buch vertieft und vom Betrachter abgewandt zu sein scheint. Diese Wahl des Bildausschnitts verstärkt die Idee einer tiefen Introspektion und Konzentration.

Es gibt eine deutliche Anspielung auf Jean-Baptiste Camille Corot, von dem 1895 in Paris eine Retrospektive stattgefunden hatte. Die zurückhaltende Haltung des Modells und die gedämpfte Atmosphäre erinnern an Corots Frauenporträts. Im Gegensatz zu den späteren fauvistischen Werken von Matisse sind die Farben hier sanft und natürlich, mit gedämpftem Licht, das die Ruhe des Augenblicks betont. Wahrscheinlich handelt es sich bei der abgebildeten Frau um Caroline Joblaud, die damalige Lebensgefährtin von Matisse und Mutter von Marguerite. Dieses Detail verleiht dem Werk eine persönliche Dimension.

Diese Leistung markiert einen entscheidenden Wendepunkt in seiner Karriere. Von da an zeigte Matisse ein wachsendes Selbstbewußtsein, sowohl in seinem künstlerischen Ausdruck als auch in seinem persönlichen Leben, und verfolgte einen Weg, der ihn zu einem der wichtigsten Künstler der modernen Kunst werden ließ.

Dennoch war die Ausstellung im Salon de la ‚Société Nationale des Beaux-Arts‘ Schauplatz einer Kontroverse zwischen Puvis de Chavannes, dem Präsidenten der „Société Nationale des Beaux-Arts”, und Jean Béraut, einem einflußreichen Mitglied der Jury, gewesen. Während Puvis de Chavannes bereits zu diesem Zeitpunkt das Talent von Matisse anerkannte, äußerte Jean Béraut Vorbehalte. Matisse wurde zum assoziierten Mitglied der ‚Société Nationale des Beaux-Arts’ ernannt – eine Auszeichnung, die seine Arbeit würdigte und es ihm ermöglichte, anerkannt zu werden, ohne sich dem Urteil einer Jury unterwerfen zu müssen.

Seine Lesende Frau zeichnete sich durch dunkle Farbtöne und einen starken Einfluß der alten Meister aus. Daher hatte Matisse das Gefühl, nur ein einfacher Vollstrecker der großen Maler der Vergangenheit zu sein. Er wurde sich nun der Kluft zwischen zwei Welten bewußt: der Welt der Museen, in der er sich bis dahin bewegt hatte, und der Welt des zeitgenössischen Lebens, die in seiner Kunst noch nicht vorkam.

Dieses Erkenntnis stellte ihn vor eine wesentliche Herausforderung: Wie kann man einen persönlichen Ausdruck behaupten und gleichzeitig das Erbe der malerischen Traditionen bewahren? In seinen eigenen Worten: „Als ich in den Louvre ging, schien ich das Lebensgefühl zu verlieren, das meiner Zeit eigen war… Die Bilder, die ich unter dem direkten Einfluß der Meister malte, gaben nicht das wieder, was ich tief in mir fühlte… Aber ich behielt immer einen Fuß im Louvre, so daß ich selbst im Abenteuer immer eine Verankerung in meiner Heimat hatte.”

Dieses künstlerische Dilemma war für die Entwicklung seines Stils entscheidend und veranlaßte ihn, einen neuen Ansatz zu erforschen, der mit dem Akademismus brechen würde, ohne seine Bewunderung für die Meister der Vergangenheit zu verleugnen.

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