Émotions à travers des couleurs et des formes uniques dans l’art abstrait de Vassily Kandinsky

Le texte ci-dessous est l’extrait du livre Vassily Kandinsky (ASIN: B07BFSVSBQ), écrit par Vassily Kandinsky, publié par Parkstone International.

Le peintre russe Vassily Kandinsky (1866-1944), est considéré comme l’un des inventeurs de la peinture abstraite. Juriste de formation, il s’est engagé relativement tard dans la voie artistique. Membre de nombreux groupes artistiques, tels que Phalanx, la Nouvelle Association des artistes munichois, Valet de carreau et Der Blaue Reiter, il exerça une influence majeure sur l’art contemporain. Le texte présenté ici est le texte théorique fondateur de Kandinsky, Du spirituel dans l’art (1911) : il nous permettra d’approcher et de comprendre le peintre et l’évolution de sa démarche. La théorie exposée dans ce traité sur les couleurs et sur les formes se retrouve dans toutes ses oeuvres, et va gagner en importance au cours de sa carrière. Il faut chercher les racines artistiques de Kandinsky dans la peinture d’icônes russe : ses motifs issus du folklore russe sont la preuve d’un attachement profond à son pays d’origine. Peintre réaliste à ses débuts, Kandinsky expérimentera diverses tendances pendant cette période de formation, y compris l’impressionnisme, l’Art nouveau, le néo-impressionnisme et l’expressionnisme, avant de se tourner vers l’abstraction.

Au cours de ses premières années comme artiste à Munich (à partir de 1896), son style peut être qualifié d’organique. Avec sa partenaire Gabriele Münter, il peint les paysages colorés de la nature bavaroise : parmi ces oeuvres, les toiles qu’il fit du village de Murnau sont particulièrement représentatives de cette période. Kandinsky restera en Allemagne jusqu’au début de la Première Guerre mondiale. À son retour en Russie en 1914, il est influencé par le constructivisme, dont les compositions sont alors dominées par des lignes dures, des points et des formes géométriques. Membre de l’avant-garde, Kandinsky devient pendant la révolution russe un des acteurs décisifs de la vie culturelle jusqu’à ce qu’il parte à Berlin en raison de l’évolution du climat politique. Durant sa période berlinoise (1920-1922), les paysages peints à Munich cèdent la place à des travaux de plus en plus abstraits. Son style évolue de manière significative dans les années suivantes, période au cours de laquelle il enseigne au Bauhaus – d’abord à Weimar et plus tard à Dessau – et s’oriente vers un style géométrique sous la forme de pictogrammes et de hiéroglyphes. En revanche, c’est bien plus tard, à Paris (à partir de 1933), qu’apparaîtront de plus en plus de formes biomorphiques dans ses peintures.

Comme nombre de ses contemporains, parmi eux Paul Klee, Kandinsky voit une interaction nécessaire entre les différentes formes d’art et en particulier entre la musique et la couleur. Chez Kandinsky, la couleur exprime un sentiment et ne sert plus exclusivement à la représentation de la réalité. Kandinsky est à l’origine d’une OEuvre impressionnante composée de peintures à l’huile, d’aquarelles et de gravures sur bois, dans laquelle il révèle l’ampleur de son potentiel artistique.

Toute oeuvre d’art est l’enfant de son temps et, bien souvent, la mère de nos sentiments. Ainsi, de chaque ère culturelle nait un art qui lui est propre et qui ne saurait être répété.

Toutes ces formes quand elles sont vraiment artistiques, remplissent leur objectif et constituent (aussi dans le premier cas) une nourriture spirituelle, mais surtout dans le troisième cas, lorsque le spectateur trouve une résonnance avec son âme. Certes, une telle résonnance (ou bien écho) ne saura rester vide ou superficielle, mais « l’atmosphère » de l’oeuvre peut encore approfondir atmosphère intérieure du spectateur – et le transfigurer. Quoi qu’il en soit, de telles oeuvres peuvent défendre l’âme contre la brutalité. Elles le maintiennent à une certaine hauteur, comme le font les clés de réglage des cordes d’un instrument de musique. Mais le raffinement et l’expansion de ce son dans le temps et dans l’espace demeurent partiels, et n’épuisent pas tout l’effet possible de l’art.

Ce fut le coeur de la renaissance des objectifs compositionnels. Il apparaît aussitôt qu’il est possible d’appliquer cette expression de « rythmique » à d’autres cas que ces derniers. Dans la musique, chaque construction possède son propre rythme ; et pareillement, dans la répartition très « aléatoire » des choses dans la nature s’échappe toujours un rythme particulier ; il en va de même dans la peinture. Sauf que dans la nature ce rythme n’est parfois pas évident à reconnaître, parce que nous ne percevons pas clairement ses objectifs (dans certains cas, il s’agit d’objectifs particulièrement importants). C’est la raison pour laquelle cet assemblage obscur est qualifié d’arythmique. Cette partition entre rythmique et arythmique est donc tout à fait relative et conventionnelle. (Tout comme la division entre consonance et dissonance qui est, en fait, purement fictive). Beaucoup de tableaux, gravures sur bois, miniatures, etc., sont des compositions « rythmiques » complexes avec un fort penchant vers le principe symphonique des époques artistiques. On se rappelle des vieux maîtres allemands, des Perses, des Japonais, des icônes russes et surtout de l’imagerie populaire, etc.

Dans presque toutes ces oeuvres, la composition symphonique s’appuie encore très fortement sur la composition mélodique. Cela signifie que lorsque l’on retire l’élément objectif et que l’on dévoile l’élément compositionnel, il émerge alors une composition, construite à partir d’un sentiment de paix, d’une répétition calme, d’une distribution assez régulière. Instinctivement, on pense aux anciennes compositions chorales, à Mozart ou à Beethoven. Ce sont des oeuvres qui sont toutes plus ou moins liées à l’architecture sublime, calme et gracieuse d’une cathédrale gothique : l’équilibre et la répartition uniforme des différentes parties sont le diapason et la base spirituelle de ces constructions. De telles oeuvres appartiennent à la forme transitoire.

On peut citer comme exemples des nouvelles compositions symphoniques trois reproductions de mes peintures, dans lesquelles l’élément mélodique est utilisé de manière épisodique et est soumis à un ensemble, adoptant ainsi une forme nouvelle. Ces reproductions sont des exemples de trois origines différentes :

1. Impressions directes de la « nature extérieure », qui sont exprimées sous forme graphique et picturale. J’appelle ces tableaux « impressions ».
2. Expressions essentiellement inconscientes, apparues en grande partie subitement lors d’un processus interne, donc des impressions de la « nature intérieure ». J’appelle cette catégorie « improvisations ».
3. De manière similaire (mais particulièrement lente) des expressions se sont formées en moi, et ont été examinées et travaillées longuement et minutieusement d’après les premières ébauches. J’appelle cette catégorie de tableaux « compositions ». Ici la raison, le conscient, l’intentionnel, et la concordance jouent un rôle prépondérant. Seulement, ce n’est pas le calcul qui prévaut, mais toujours le sentiment.

La construction, consciente ou inconsciente, qui sous-tend chacun de mes trois tableaux ne fait probablement aucun doute pour le patient lecteur de ce livre. En conclusion, je dirais qu’à mon avis, nous nous approchons à grands pas du temps du compositionnel rationnel et conscient, et que le peintre sera fier d’être bientôt en mesure d’expliquer son travail de manière constructive (par opposition aux impressionnistes purs, qui étaient fiers de ne pas être en mesure d’expliquer quoi que ce soit), que nous sommes maintenant à l’aube de la création utile, et enfin, que cet esprit dans la peinture est en relation organique directe avec la reconstruction déjà amorcée du nouveau royaume spirituel, car il est l’âme de l’époque du grand spirituel…

En savoir plus sur les œuvres de Vassily Kandinsky ici :

Centre Georges Pompidou, Paris

Museo Thyssen

Stedelijk museum

Un de ses tableaux célèbres :

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