Le scandale de l’art de Shelley – Pleins feux sur Allen Jones

Il y a des artistes qui cherchent à être controversés, soit pour faire passer un message, soit pour se faire remarquer. En général, il s’agit d’œuvres qui sont controversées pour l’époque, mais avec le temps et l’évolution de la culture, la plupart des œuvres d’art scandaleuses semblent beaucoup moins risquées. Allen Jones n’est pas de ceux-là.

Né à Southampton en 1937, il a grandi à Ealing. Diplômé du Hornsey College of Art en 1959, il est très vite devenu l’un des premiers artistes pop britanniques, combinant différents langages visuels pour découvrir les compositions historiques afin de démontrer le sens de l’œuvre.

Au cours des années 60, Jones a travaillé sur les trois œuvres d’art qui lui ont valu la notoriété controversée pour laquelle il est connu. Il s’agit de “Chair”, “Table” et “Hat Stand”.  Ce sont des sculptures qui ont été conçues par Jones, puis coulées en argile, et enfin terminées par une entreprise qui fabriquait des mannequins. Chaque ensemble de trois a été dupliqué six fois, ce qui a été achevé en 1969.

Elles ont été exposées pour la première fois en 1970, et ont suscité toute une série d’attention et de critiques. Avant d’entrer dans le détail, jetons un regard plus approfondi sur les pièces…

Chaise

Vous pouvez voir une femme, placée dans la position d’une chaise, ses jambes ont été attachées en haut de la cuisse autour de son dos, et aux genoux pour l’empêcher de rompre la position. Un coussin sur un morceau de plexiglas a été placé sur ses cuisses et ses bras ont été utilisés pour stabiliser son torse. Ses seuls vêtements sont une culotte en latex, des gants et des bottes. Ses chevilles et ses mollets sont écartés afin qu’elle puisse voir la personne qui s’assiéra sur elle. Elle a un visage entièrement maquillé.

Table

Ici, nous pouvons voir que la femme a pris la base d’une table – elle est à nouveau vêtue de bottes, de gants et de culottes en latex, ainsi que d’un demi-corset.  Du plexiglas a été placé sur son dos pour former le plateau de la table, et un miroir a été placé sous le visage de la femme pour qu’elle puisse se voir et voir ce qui est posé sur la table, et que les personnes qui utilisent la table puissent voir son visage.

Support à chapeau

Un format légèrement différent pour les vêtements dans cette sculpture, car la femme n’est contrainte par rien d’autre que ses vêtements. Nous pouvons donc voir une affaire de culottes et de cols harnachés, avec des bottes à hauteur de cuisse et on lui a accordé la petite grâce d’une couverture courte et joyeuse pour ses seins. Le spectateur peut voir toute la femme en détail et, si l’envie lui en prend, il peut accrocher son chapeau à ses mains ou à sa tête.

Je ne pense pas qu’il faille être féministe pour comprendre le problème que posent ces sculptures. La femme est utilisée comme un meuble, un objet inanimé que l’on peut voir et utiliser sans l’entendre, tel est le message que transmettent ces sculptures. Il n’est donc pas surprenant que ces œuvres aient suscité la colère du mouvement féministe naissant des années 1970.

Les sculptures ont été accueillies par des spectateurs qui ont eu le sentiment que des tendances sadomasochistes et fétichistes étaient affichées – utilisant la forme féminine comme un point d’ancrage pour la persécution des femmes qui a eu lieu depuis aussi longtemps que l’on puisse se souvenir. Il s’agit non seulement d’une déclaration tacite sur la façon dont les femmes doivent être vues et non entendues, mais aussi d’un élément de l’iconologie selon laquelle les femmes doivent être parfaites pour être utiles. La presse a attribué les sculptures de Jones à l’angoisse de castration et, quelle que soit la façon dont on regarde les sculptures, il est difficile d’établir une autre signification.

À l’époque des débuts, de vives protestations contre les œuvres ont été observées de la part de groupes féministes, ce qui a fait de Jones une “corde sensible” culturelle.

Les sculptures ont été exposées à nouveau en 1978, ce qui a suscité une attention tout aussi négative et a entraîné le lancement de boules puantes dans l’exposition. Puis, en 1986, elles ont été exposées à la Tate à l’occasion de la Journée internationale de la femme. À cette occasion, “Chair” a été endommagée par des jets de décapant.   

En 2004, l’historien de l’art Marco Livingstone a écrit : “Plus de trois décennies plus tard, ces œuvres sont toujours porteuses d’une puissante charge émotive, s’emparant de la psychologie et des perspectives sexuelles de chaque spectateur, quels que soient son âge, son sexe ou son expérience.”

Ces sculptures ont limité la carrière d’exposition de Jones au Royaume-Uni et, interrogé à ce sujet au début des années 2000, il aurait déclaré : “C’est un dommage collatéral. Je voulais offenser les canons de la valeur acceptée dans l’art. J’ai trouvé l’image parfaite pour le faire, et c’est un accident de l’histoire que ces œuvres aient coïncidé avec l’arrivée du féminisme militant”. C’est intéressant car j’ai lu d’autres interviews dans lesquelles Jones déclare qu’il est lui-même féministe mais qu’il refuse de se battre pour son opinion politique car d’autres ont déjà décidé de la signification de son travail. Pour moi, cela ressemble à un homme qui ne souhaite pas justifier ses actions ou donner la véritable raison de son travail. 

Jones dit qu’il voulait choquer le monde de l’art, mais pas le public, afin d’ouvrir les yeux sur le fait que le sexe fait vendre, et il se trouve que cela s’inscrit très bien dans la culture Pop Art qui met en avant le consumérisme, ce qui, honnêtement, me semble paresseux. Il y a beaucoup d’autres artistes qui ont réalisé cela avec beaucoup plus d’intégrité que Jones. Par exemple, l’œuvre “Hers is a Lush Situation” de Richard Hamilton, créée en 1958, illustre la persuasion et la rhétorique utilisées par Buick dans sa campagne publicitaire. Elle reprend le jeu érotique entre la femme et la machine, en utilisant un collage des lèvres de Sophia Loren pour désigner le conducteur et le bâtiment des Nations unies à New York (qui, collé, fait office de pare-brise) et les formes de la machine, ainsi que les courbes douces de la carrosserie de la voiture reflétant celles de la femme.  Il s’agit d’une manière bien plus réfléchie et intelligente de démontrer que le sexe fait vendre que les sculptures dégradantes de Jones.

Il ne faut pas non plus oublier que Stanley Kubrick a utilisé une imagerie similaire dans son film de 1971 “A Clockwork Orange“, tiré du livre d’Anthony Burgess publié en 1962. Au départ, Kubrick avait demandé à Jones d’habiller le “Milk Bar”. Jones a fait quelques croquis préliminaires, mais lorsque le sujet de l’argent a été abordé, Kubrick a répondu qu’il était un réalisateur de renommée mondiale et que le nom de Jones serait bien connu grâce à ce film. Jones a décliné l’offre, mais Kubrick est allé de l’avant et a utilisé des images indubitablement similaires.

Cela a renforcé le sentiment que les femmes étaient utilisées comme des objets fonctionnels, Alex posant ses pieds sur la table et le lait étant distribué par les seins des sculptures féminines agenouillées – cela n’a pas beaucoup contribué à la réputation générale de Jones. 

Jones et Kubrick sont tous deux tombés sur la corde raide en essayant d’être choquants et en soulignant la misogynie, Kubrick au point que l’on a estimé qu’il glorifiait le viol et le meurtre – il a par la suite retiré le film de la projection publique, il n’a été réédité qu’après sa mort.

Si le travail de Jones a pu entraver son statut d’exposition, cela n’a pas empêché des gens comme Roman Polanski, Elton John et d’autres de posséder l’ensemble “Chaise”, “Table” et “Support à chapeau”, dont la vente a atteint 2,6 millions de livres sterling en 2012.

Avant de conclure cet article, je dois reconnaître qu’il y a des gens qui vivent le style de vie fétichiste et s’épanouissent dans un arrangement relationnel soumis/dominant où l’humiliation et l’objectivation jouent parfois un rôle dans leur quotidien, mais ce style de vie est beaucoup plus accepté culturellement aujourd’hui que dans les années 1970, lorsque les femmes n’avaient pas le niveau d’égalité qu’elles ont aujourd’hui. Nous devons nous rappeler que ces sculptures sont perçues par les spectateurs comme l’absolu de l’objectivation, créé à partir d’une idée apparue dans une bande dessinée.

Jones a certainement réussi à se faire remarquer et à provoquer un scandale artistique qui continuera probablement à hérisser des plumes dans les années à venir.

Et.. Si vous voulez voir plus d’articles intéressants sur Le scandale de l’art de Shelley, vous pouvez « rejoindre » ici.